История одной картины

В общем-то, и без комментариев и вступления понятно, о чем пойдет речь в этой теме.
Каждая картина имеет свою историю, прообразы, загадку, иногда даже тайну. Часто мы о них не знаем, порой - даже не догадываемся о многих фактах.
Вот и попробуем открыть для себя заново некоторые из полотен известных художников.

В 1888 году на XVI выставке передвижников была представлена самая известная и, пожалуй, самая скандальная картина Николая Ярошенко «Всюду жизнь».
До сих пор нет единого мнения по поводу того, какой смысл вложил художник в свою работу.
Пытался ли Ярошенко таким образом символически показать, что в тюрьмах и ссылках томились не преступники, а обычные люди, ставшие жертвами политической и социальной несправедливости? Стремился ли запечатлеть светлую минуту в жизни арестантов, кормящих голубей через решетку во время остановки тюремного вагона? Хотел ли показать человечность людей, отвергнутых обществом? Или все вместе?
А Лев Толстой, между прочим, называл эту картину "Голуби"...



А Марк Лисянский посвятил картине замечательное стихотворение:

Я люблю картину Ярошенко
"Всюду жизнь". Люблю ее давно.
Посмотрите: вот глядит с простенка
Мальчик сквозь тюремное окно.
Вспомнив на минуту,
Не забудьте,
Как мальчонка, улыбаясь нам,
Смотрит сквозь заржавленные прутья
И бросает крошки голубям.
А вокруг ребенка арестанты
С добрыми морщинками у глаз.
Жизнелюбы, мастера, таланты,
Чьи шедевры не дошли до нас.
Жизнь им застилала ясны очи,
Убивала - не могла убить,
А они ее любили. Очень!
Завещали нам ее любить.

Я вижу старинный московский дворец
И кровь на подушках дивана.
Там сына родной убивает отец,
Иван убивает Ивана.
Убийца, себя истребляющий сам,
Его обвинять не рискую, -
Виною всему праотец Авраам,
Замысливший жертву такую,
Который, не в силах любовь побороть,
Готов на посмертную муку,
Не зная о том, что удержит Господь
Его занесённую руку.
Я слышал однажды: как нерв напряжён,
Безлюдной вечерней порою,
Безумец ударил картину ножом
И крикнул: "Достаточно крови!".
И там, где отметина эта видна.
Где лезвие холст разрезало,
Всё капает, капает кровь с полотна
На плинтус музейного зала.

Александр Городницкий



Всем знакома эта картина Ильи Ефимовича Репина «Иван Грозный и сын его Иван. 16 ноября 1581 года».
С этой картиной однажды произошёл такой трагический случай :

29 января 1913 года в Третьяковской галерее молодой иконописец, старообрядец, сын крупного мебельного фабриканта Абрам Балашов в припадке душевной болезни с криком «Довольно крови!» изрезал ножом картину Ильи Репина «Иван Грозный и сын его Иван.».
Три пореза прошли по лицу царевича, однако не затронув глаз. Репин был уверен, что его работа безвозвратно погублена. «Из трех ударов один пришелся на лицо Грозного — от середины виска, пересекая ухо, до плеча, — второй разрез прошел по контуру носа царевича, задев щеку Грозного и уничтожив весь очерк носа царевича, наконец третий повредил пальцы правой руки царевича, разрезал щеку у него и задел правый рукав Грозного», — вспоминал Игорь Эммануилович Грабарь (1871–1960), который вместе с Дмитрием Федоровичем Богословским (1870–1939) вернул картину к жизни.

Наташа, ты абсолютно права - картина полна света и добра.
Посмотрите, как мальчонка улыбается... какие добрые и открытые лица у тех, кто за решеткой... как любят они жизнь...
Но у меня все сжимается внутри, когда я смотрю на них...

До сих пор нет единого мнения по поводу того, какой смысл вложил художник в свою работу.

Моё личное мнение, что художник не столько вкладывает «смысл», так же как и поэт, и музыкант, сколько доступным ему образом выражает свои чувства.
Что он хотел сказать? Да, то, что чувствовал, то и хотел сказать. Теперь мы чувствуем то же самое (если чувствовать умеем) глядя на его картину.

Хочу немного коснуться картины Рембрандта "Ночной дозор", о которой ходит множество легенд. Вот одна из них.

«Ночной дозор» или «Дневной»?
Вскоре после написания картина была размещена в здании Стрелкового общества, затем провисела в различных залах почти 200 лет и была обнаружена искусствоведами только в XIX веке при пробуждении нового интереса к Рембрандту. Поскольку казалось, что фигуры выступают на тёмном фоне, её назвали «Ночной дозор», и под этим названием она и вошла в сокровищницу мирового искусства. И только при реставрации, проведённой в 1947 году, обнаружилось, что в зале Общества картина успела покрыться слоем копоти, исказившим её колорит. После расчистки оригинальной живописи окончательно выяснилось, что сцена, представленная Рембрандтом, на самом деле происходит днём: мушкетёры выходят из тёмного дворика на залитую солнцем площадь (это предполагали некоторые искусствоведы и ранее). Стала очевидной и мастерская игра света и тени, характерная для стиля великого художника. Но название осталось прежним.
Материал взят из Википедии

К сожалению, в оригинале не видела саму картину, зато хорошо рассмотрела ее объемное изображение, которое находится перед музеем Рембрандта в Амстердаме.

Галинка, спасибо тебе огромное! А я и не слышала об этой легенде. Вполне может такое быть...
Об этой картине я знаю еще такой факт:

Нидерландский историк искусства Бас Дудок ван Хейл утверждает, что знаменитое полотно Рембрандта "Ночной дозор" (точнее, "Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рейтенбурга"), было частью "непрерывного фриза", украшавшего банкетный зал мушкетеров в Амстердаме. В зале висели и другие картины на похожую тему.

Ван Хейл утверждает, что ему удалось идентифицировать личности 18 стрелков, изображенных на картине: перечень их имен известен с XVIII века, но установить кто из них кто на полотне до сих пор не получалось. Искусствовед даже выяснил, как звали барабанщика, изображенного в левом углу: это Якоб Йорис. Имени этого человека в историческом списке персонажей картины не было.

Галь, а от объемного изображения картины я просто обалдела! Тоже не знала о том, что картина существует в таком объемном варианте. ЗдОрово! Спасибо, Галь! Это существенное дополнение в мой "багаж".

История знаменитой картины Василия Ивановича Сурикова «Меншиков в Березове».

Вот что сам художник рассказывал Максимилиану Волошину о замысле картины и работы над ней:
«В восемьдесят первом поехал я жить в деревню - в Перерву. В избушке нищенской. И жена с детьми. (Женился я в 1878 году. Мать жены была Свистунова - декабриста дочь. А отец - француз). В избушке тесно было. И выйти нельзя - дожди.
Здесь вот все мне и думалось: кто же это так вот в низкой избе сидел? И поехал я это раз в Москву за холстами. Иду по Красной площади. И вдруг... - Меншиков! Сразу всю картину увидал. Весь узел композиции. Я и о покупках забыл. Сейчас кинулся назад в Перерву. Потом ездил в имение Меншикова в Клинском уезде. Нашел бюст его. Мне маску сняли. Я с нее писал.
А потом нашел еще учителя-старика - Невенгловского; он мне позировал. Раз по Пречистенскому бульвару идет, вижу, Меншиков. Я за ним: квартиру запомнить. Учителем был математики Первой гимназии. В отставке. В первый раз и не пустил меня совсем. А во второй раз пустил. Позволил рисовать. На антресолях у него писал. В халате, перстень у него на руке, небритый - совсем Меншиков. „Кого Вы с меня писать будете?" - спрашивает. Думаю: еще обидится - говорю: „Суворова с Вас рисовать буду". Писатель Михеев потом из этого целый роман сделал. А Меншикову я с жены покойной писал. А другую дочь - с барышни одной. Сына писал в Москве с одного молодого человека - Шмаровина сына.
В 1883 году картину выставил».
Выставленная 2 марта 1883 года в Петербурге на XI выставке картин Товарищества Передвижных Художественных Выставок картина «Меншиков в Березове» сразу привлекла к себе внимание. Вокруг нее сразу же закипели горячие споры, а Крамской сказал, что если Меншиков встанет, то пробьет головой потолок.

А в 1920 году Михаил Кузмин написал такое стихотворение-ассоциацию:

Декабрь морозит в небе розовом,
нетопленный чернеет дом,
и мы, как Меншиков в Берёзове,
читаем Библию и ждем.

И ждем чего? Самим известно ли?
Какой спасительной руки?
Уж вспухнувшие пальцы треснули
и развалились башмаки.

Уже не говорят о Врангеле,
тупые протекают дни.
На златокованном архангеле
лишь млеют сладостно огни.

Пошли нам долгое терпение,
и легкий дух, и крепкий сон,
и милых книг святое чтение,
и неизменный небосклон.

Но если ангел скорбно склонится,
заплакав: "Это навсегда",
пусть упадет, как беззаконница,
меня водившая звезда.

Нет, только в ссылке, только в ссылке мы,
о, бедная моя любовь.
Лучами нежными, не пылкими,
родная согревает кровь,

окрашивает губы розовым,
не холоден минутный дом.
И мы, как Меншиков в Берёзове,
читаем Библию и ждем.

Джорджиана герцогиня Девонширская

Тоько вначале несколько слов не о картине или художнике, а об этой женщине. Джорджиана, герцогиня Девонширская, была одной из самых известных женщин своей эпохи. Она родилась 9 июня 1757 года в семье графа Джона Спенсера. Из этого же рода, кстати, происходили и другие знаменитые красавицы – леди Каролина Лэм и – уже в наше время - принцесса Диана: Джорджиана – ее двоюродная прапрабабушка.
В возрасте 17 лет Джорджиана вышла замуж за герцога Девонширского и начала вести светский образ жизни. Благодаря редкому обаянию и вкусу, Джорджиана вскоре стала королевой мод, и все новинки стиля, которые она демонстрировала в своих нарядах - туники, плюмажи - называли её именем. Даже цвет её экипажа послужил для названия нового оттенка - "девонширский коричневый".



С этим портретом связана одна удивительная история:

В эпоху царствования королевы Виктории в Лондоне проживал некий Адам Уорт — мошенник, вор, но импозантный мужчина и неисправимый романтик. В подчинении Уорта находилась хорошо организованная команда мелких бандюков, с помощью которой хозяин ежедневно становился богаче. Однажды майским вечером 1876 года Адам Уорт и два его подельника через окно проникли в галерею Томаса Агню на лондонской Олд Бонд-стрит и стащили оттуда знаменитый портрет Джорджианы, герцогини Девонширской, кисти Томаса Гейнсборо.
Обворожительная Джорджиана была, к слову сказать, прапрабабушкой принцессы Дианы и дамочкой довольно свободных нравов (муж герцогини снял ее портрет со стены, когда узнал, что супружница забеременела от любовника). Портрет (стоимостью более 1,2 миллиона долларов в нынешнем эквиваленте) на момент кражи был уже продан с аукциона, его просто не успели отправить новому хозяину. Уорт вырезал холст из картины, изящно скатал его в трубочку и был таков. Но "Джорджиана" сыграла с вором ответную шутку.
Вообще-то Адам Уорт хотел обменять полотно Гейнсборо на освобождение из тюрьмы своего младшего брательника, но так уж случилось, что того выпустили вскоре после похищения картины без всякого участия Уорта. Разглядывая портрет, Уорт... влюбился в прелестную Джорджиану и на протяжении долгих лет не расставался с ее изображением: он даже спал, положив портрет под кровать. Лишь в 1901 году, погибая от безденежья, Адам Уорт решил вернуть "возлюбленную" ее законному владельцу и через год после этого умер.
Все, кто знал Уорта, не сомневались: он не перенес расставания с Джорджианой.

Грачи прилетели". Авторские вариации

Всем нам очень известная картина.



Только всё ли мы знаем о ней? Оказывается, было несколько вариантов этой картины.

Собственно говоря, это и есть легендарный оригинал-первенец, который купил сам Третьяков.



Весна. Грачи прилетели. 1872
Холст, масло. 67x117 см
Частное собрание

Как минимум, картина "стала шире".



Грачи прилетели. 1879

Позднее повторение
Холст, масло. 95x62 см
Нижегородский художественный музей, Нижний Новгород

Меняется цветовая гамма?


Ранняя весна. Оттепель. 1880-е
Холст, масло. 68x54 см
Астраханская областная картинная галерея им. Б.М. Кустодиева, Астрахань

Совершенно другой ракурс.



А так сейчас выглядит та самая церковь в селе Молвитиново (ныне Сусанино) под Костромой, которую мы видим на картине Саврасова.

«Грачи прилетели» имели грандиозный успех на выставках. Почти сразу же к Саврасову стали поступать просьбы написать копии картины. Сколько всего было копий, сделанных самим художником, я не знаю. А еще ведь было множество эскизов к этим копиям.
Почему-то мне кажется, что Саврасову самому нравилось возвращаться к этому сюжету, с которым, возможно, был связан самый счастливый момент в его жизни… Все-таки традиционно принято считать, что он остался художником одной картины, чья творческая судьба в целом по ряду причин не сложилась. Одной, но КАКОЙ! Картина-символ… Картина, с которой связывают новый этап в истории русского пейзажа. И ведь Левитана без Саврасова не было бы…
Впрочем, мне большинство менее известных пейзажей кисти Саврасова тоже нравится.
А Давид Самойлов под впечатлением от «Грачей» написал стихотворение, которое в целом вроде с темой живописи и не связано, но, как мне кажется, настроению знаменитого шедевра соответствует:

Стояли они у картины:
Саврасов. "Грачи прилетели".
Там было простое, родное.
Никак уходить не хотели.

Случайно разговорились,
Поскольку случилась причина.
- Саврасов. "Грачи прилетели" -
Хорошая это картина.

Мужчина был плохо одетый.
Видать, одинокий. Из пьющих.
Она - из не больно красивых
И личного счастья не ждущих.

Ее проводил он до дома.
На улице было морозно.
Она бы его пригласила,
Но в комнате хаос и поздно.

Он сам напросился к ней в гости
Во вторник на чашечку чая.
- У нас с вами общие вкусы
В картинах, как я замечаю.

Два дня она драила, терла
Свой угол для скромного пира.
Пошла, на последние деньги
Сиреневый тортик купила.

Под вечер осталось одеться,
А также открытку повесить -
"Грачи прилетели". Оделась.
Семь, восемь. И девять. И десять.

Семь, восемь, и девять, и десять.
Поглядывала из-за шторки.
Всплакнула. И полюбовалась
Коричневой розой на торте.

Себя она не пожалела.
А про неудавшийся ужин
Подумала: "Бедненький тортик,
Ведь вот никому ты не нужен.

Наверно, забыл. Или занят...
Известное дело - мужчина..."
А все же "Грачи прилетели"

А вот история картины Васнецова "Три царевны подземного царства".

Оказывается, Виктор Михайлович Васнецов дважды писал эту картину .
Первый вариант создавался в 1871 году по заказу Саввы Мамонтова для кабинета правления Донецкой железной дороги.

В сказочной теме Царевен были выражены народные представления о богатствах таинственных пoдземных недр. Царевны золота, драгоценных камней и каменного угля изображены на фоне закатного оранжево-красного неба и черных скал.
Картина должна была олицетворять богатство недр пробужденного края. Васнецов за основу взял старинную сказку о том, как крестьянский сын Иван, спустившись под землю, нашел там царства золота, драгоценных камней и железа (так в сказке, в картине – каменного угля) и вывел на землю трех царевен этих царств. Васнецов представил их в роскошных убранствах, символизирующих богатства земли. Они вышли из подземного царства и словцо окаменели.
Правда, художник немного изменил сюжет сказки, лежавшей в основе картины, на которой появилась царевна каменного угля, олицетворявшая, как и две другие, богатства недр Донбасса.



Версия 1881 года хранится в Государственной Третьяковской галерее.

Правление не согласилось иметь у себя картину, посчитав неуместной для служебного помещения, и тогда Мамонтов купил полотно сам.


В 1884 году Васнецов пишет еще одну версию картины, немного меняя при этом композицию и колорит. Картину приобретает киевский коллекционер и меценат И.Н. Терещенко.
В новой версии изменилось положение рук царевны каменного угля, теперь они лежали вдоль тела, что придало фигуре спокойствие и величавость.


Версия 1884 года хранится в киевском Музее Русского искусства.

История одной картины - "СРЕДИ ДОЛИНЫ РОВНЫЯ"

Cтихотворение поэта, переводчика и критика Алексея Федоровича Мерзлякова «Одиночество», положенного на музыку и ставшего со временем народной песней, переплелось с судьбой художника Шишкина И.И. и привело к написанию этой картины.



Алексей Федорович Мерзляков (1778-1830) приехал в Москву из Перми, окончил университет и преподавал в нем более 25 лет.

Стихотворение «Одиночество» было написано им в 1810 г. в доме, где жила Анисья Федоровна Вельяминова-Зернова (1788-1876). В то время Анисье было всего 22 года, а Алексей Федорович учил ее словесности и был безнадежно влюблен в свою ученицу. Безнадежно, потому что не в их силах было преодолеть сословные различия.

Однажды вечером Алексей Федорович был особенно грустен, говорил о своем одиночестве. Потом взял мел и на ломберном столе начал писать. Ему дали перо с бумагой, и он записал все стихотворение.
Стихотворение оказалось настолько напевным, что вскоре стало песней.

Второе рождение песни произошло в 1883 году, и связано тоже с печальным событием. В 1881 г. у Ивана Ивановича Шишкина умерла жена Ольга Лагода (1850-1881). Они прожили вместе всего один год. Шишкин потерял не только горячо любимую жену. Она была его ученицей, и о ее таланте говорит хотя бы то, что написанные ею картины покупал П.М. Третьяков.

Иван Иванович тяжело переживал утрату. И вот, однажды, будучи за городом, Шишкин увидел в поле могучий одинокий дуб и вспомнил стихотворение Мерзлякова “Среди долины ровныя…” Все это переплелось с судьбой художника. В личном плане он опять одинок. В творческом – собратья по “перу” признавали одаренность Шишкина, но прохладно относились к его увлеченности русским пейзажем. В 1883 г. Иван Иванович написал картину, которую так и назвал “Среди долины ровныя…” Многие отнесли картину к редкому жанру пейзажа-автопортрета.

Успех полотна «Среди долины ровныя» превзошел все ожидания. Привыкшие считать Шишкина «царем леса», «дедушкой лесов», «пейзажистом-лесовиком», зрители увидели перед собой обширную равнину, почувствовали настроение, созвучное тому, которое вызывала песня А.Ф. Мерзлякова.

Вот слова этой песни:
Одиночество

Среди долины ровныя,
На гладкой высоте,
Цветет, растет высокий дуб
В могучей красоте.

Высокий дуб, развесистый,
Один у всех в глазах;
Один, один, бедняжечка,
Как рекрут на часах!


Взойдет ли красно солнышко –
Кого под тень принять?
Ударит ли погодушка –
Кто будет защищать?

Ни сосенки кудрявыя,
Ни ивки близ него,
Ни кустики зеленые
Не вьются вкруг него.

Ах, скучно одинокому
И дереву расти!
Ах, горько, горько молодцу
Без милой жизнь вести!

Есть много сребра, золота –
Кому их подарить?
Есть много славы, почестей –
Но с кем их разделить?

Встречаюсь ли с знакомыми –
Поклон, да был таков;
Встречаюсь ли с пригожими –
Поклон да пара слов.

Одних я сам пугаюся,
Другой бежит меня.
Все други, все приятели
До черного лишь дня!

Где ж сердцем отдохнуть могу,
Когда гроза взойдет?
Друг нежный спит в сырой земле,
На помощь не придет!

Ни роду нет, ни племени
В чужой мне стороне;
Не ластится любезная
Подруженька ко мне!

Не плачется от радости
Старик, глядя на нас;
Не вьются вкруг малюточки,
Тихохонько резвясь!

Возьмите же всё золото,
Все почести назад;
Мне родину, мне милую,
Мне милой дайте взгляд!

1810.

Сереж, как хорошо ты сказал: "Когда выбираешь картину на вечер одну..."
Я представила себя там, в залах музея один на один с картинами... Сереж, завидую тебе, ты мог один с ними общаться, смотреть на них и никто вам не мешал...

Спасибо тебе, что ты рассказал здесь о мраморной красавице Фанни Лир (я ничего об этом раньше не читала и не слышала), и о Беллоли. Его женские портреты мне хорошо знакомы, портреты вообще его "конёк".
Меня удивил факт, о котором я не знала: "Картина была найдена в здании дворца князя, где с1919-1935 располагался Музей искуств, в замурованной комнате. И только маленкое окошко, в 1930 г. помогло открыть этот шедевр......"

Надо же, замурованная комната была в музее. Зачем, почему её замуровали и какие еще картины там находились? Ничего не знаю об этом...

И еще одно... В возрасте 61 года, будучи успешным художником, в Питере он покончил жизнь самоубийством... Почему?... Мне тоже об этом ничего не известно.

Сереж, спасибо еще раз!

Экспертам не дают покоя живописные шедевры, так или иначе, отображающие реалии того времени, когда они были созданы. Часто ученые пытаются именно по картинам известных художников приблизиться к прошлому и понять, как и чем тогда жили люди. Такому вот анализу подверглись полотна Моне лондонского периода.

Клод Моне трижды приезжал в Великобританию между 1899 и 1901 годами и создал в этот период 95 картин. Большинство из них не датированы, поэтому у искусствоведов не было единого мнения о том, все ли полотна были написаны с натуры. И уж тем более, настоящий ли лондонский смог изображен на них. Ведь он мог быть лишь плодом воображения автора, особенно в том случае, если Моне начинал работать над картинами в Лондоне, а дописывал их по памяти уже в Париже.

Специалистам Бирмингемского университета и Военно-морской обсерватории США удалось проанализировать шедевры. Специалисты уточнили положение солнца в тот период, когда Моне работал в Лондоне, и сравнили это положение с запечатленным на картинах. Исследование показало, что все сюжеты Моне реальны. Все лондонские пейзажи были сделаны с натуры между 13 февраля и 23 марта 1900 года в дневные часы. Кроме этого, ученым удалось узнать место написания полотен. Художник работал на крытой террасе второго этажа административного здания больницы святого Томаса, расположенной на противоположном от парламента берегу Темзы.

Исследование помогло убедиться в том, что смог на картинах реален. Таким образом, шедевры Моне стали свидетельством экологии тех времен.
"Эта информация дает нам возможность подробно изучить экологический кризис в Лондоне начала XX века", - говорит д-р Джекоб Бейкер, автор проекта.
www.rian.ru

Стоит отметить, что Моне, пожалуй, не самый загадочный живописец. Больше всего ученые бьются, конечно, над картиной Леонардо да Винчи "Джоконда".



Например, японский ученый доктор Сузуки постарался воссоздать голос Моны Лизы. Он определил параметры лица и рук изображенной женщины, и на их основе установил ее вес, а также создал вероятную форму ее черепа.

Эти данные были оцифрованы и помещены в компьютер. Следующим этапом стало создание голоса. Для этого была использована гигантская база данных, в которой хранится более 100 тыс. обработанных фотографий лиц и голосов их обладателей. Полученный голос по всем параметрам очень подходит Джоконде, заявил Сузуки. "Если судить по картине, нижняя часть лица Моны Лизы тяжелая, увесистая, - говорит он. - Что может означать, что она обладала достаточно низким голосом".

Как утверждает Сузуки, каждый человек обладает индивидуальным голосовым диапазоном. Ученый уверен, что ему удалось воссоздать голос Джоконды с максимальной точностью - на 90%.

Другим ученым удалось расшифровать улыбку Джоконды. "Теперь же можно сказать официально: Мона Лиза на картине Леонардо да Винчи была на 83% счастливой, на 9% - испытывающей чувство отвращения, на 6% - полной страха и на 2% - злой", - говорится в британском научном журнале "The New Scientist".

Расшифровка самой знаменитой женской улыбки в мире стала возможной благодаря новой компьютерной программе распознавания эмоций. Ее разработал ученый Нику Себе из университета Амстердама (Нидерланды) при поддержке ученых из университета Иллинойса (США). Алгоритм, получивший название Urbana-Champaign, анализирует главные черты лица, в частности изгиб губ и морщинки вокруг глаз, потом оценивает лицо по шести главным группам эмоций.
http://lady-club.ucoz.ru/

Но не только Джоконда будоражит умы ученых.
Творчество Эдварда Мунка также переполнено загадками. Например, массу вопросов у специалистов вызвало полотно "Девушки на мосту".


Во-первых, многим было неясно, что означает желтый диск в левой части картины: луна это или солнце. А во-вторых, что бы это ни было, почему оно не отражается в воде? Искусствоведы все эти несоответствия склонны были объяснять пристрастием Мунка к символизму.

Однако ученые не оставили эту тайну неразгаданной. Профессор Дон Олсон (Don Olson) вместе с коллегами из Техасского университета провел ряд исследований - как астрономических, так и географических.

Ученым пришлось посетить курортный городок Асгардстранд на севере Норвегии, где в ту пору жил художник. По сохранившимся фотографиям начала века ученые определили, где находился художник, и вычислили положение солнца и луны на летнем небе. Результаты вычислений показали, что солнце должно было бы находиться в правом углу картины.

Следовательно, желтый диск - полная луна. В таком случае не удивительно, что автор в своих письмах называл картину "Летняя ночь".

Но почему же луна не отразилась на водной глади? Ученые объясняют это тем, что с определенной точки на высоте около 3 м над поверхностью воды можно наблюдать этот известный оптический эффект - наблюдатель видит луну над домом, однако в воде луна не отражается, поскольку свет от нее не достигает поверхности воды - его закрывает дом. Хотя объяснение искусствоведов тоже не лишено смысла. Исследователи творчества Мунка считают, что таинственное отсутствие отражения - некий символ и ключ к эмоциональному восприятию изображенной сцены.
http://lady-club.ucoz.ru/

Еще одна история, еще одна картина, еще одна судьба...

Лоуренс Альма-Тадема - " Наводнение у Бейсбосх в 1421 году»


18 (19?) ноября 1421 было второе наводнение Святой Елизаветы в Нидерландах.
В этот день Голландию постигло крупнейшее за пять веков катастрофическое наводнение, вызванное штормовым «приливом Святой Елизаветы» (в этот день католическая церковь отмечает память дочери венгерского короля Андраша II Елизаветы Тюрингской). К юго-западу от Дордрехта гонимые свирепым западным ветром воды Северного моря столкнулись с поднявшимися от дождей встречными водами Мааса и Ваала. Вся система дамб была разрушена, и в один день в этом чрезвычайно густо населенном регионе под водой оказались 72 деревни. 100 тысяч человек утонули. Немногих оставшихся в живых, в том числе, по легенде, одного младенца в колыбели, вынесло на небольшой клочок суши, который назвали Киндердам («Детская дамба»). Когда вода сошла, на месте деревень и полей остался «архипелаг» поросших тростником болотистых островков, названный Бейсбосх («Тростниковый лес»).

http://passing-passion.livejournal.com/

(А теперь в нескольких словах о художнике, возможно, его имя не многим знакомо. Лоуренс Альма-Тадема, голландский и английский художник, мастер исторической и мифологической живописи, страстный археолог. Родился 8 января 1836 в Нидерландах. Искусство живописи изучал у голландских мастеров Йозефа Лаурентиса Дикманса, Байрона Яна Хендрика Лейса, Байрона Густава Вапперса. Его ранние работы содержат сходство с искусством голландских мастеров. Однако в 60-е годы XIX века, художник совершил путешествие в Италию и эта поездка перевернула его жизнь. Во время экспедиции Альма-Тадема столкнулся с руинами древних римских городов - Помпеи и Геркуланума. Очарованный древнеримской цивилизацией, а особенно деталями повседневной жизни, он начал плодотворное изучение древнего Рима.
Римская (и, в меньшей мере, греческая) археология, живопись и культура стали для Альма-Тадемы страстным увлечением, длившимся всю жизнь.)

Лен, а я сначала кликаю, картину рассматриваю, получаю свое восприятие, а потом перехожу к тексту. Так что мне вполне нормально.

Галюнь, успокоила немного... а то уж я думала, что совсем никуда не годится...

Один автор – Владимир Маковский.
Две картины – «На бульваре» и «Свидание».
Судьба – одна…

Владимир Маковский написал в 1887 году картину «На бульваре».

Между этой бытовой сценой и сегодняшним днем - пропасть. Далеко в небытие канула нищая, неграмотная Россия. Сюжет несложен. Но крайне типичен для той поры. В Москву из далекого села приехала молодуха с ребенком. Навестить мужа. Поделиться горестями с кормильцем. Комнаты или другого жилья, где можно поговорить, нет. Вот и сидят на бульваре супруги.
Жена убита поведением своего благоверного, неузнаваемо изменившегося.
Фатоватый, подвыпивший мастеровой, быстро ставший „городским", вальяжно развалился на скамейке.
Лихо заломив фуражку, в красной распахнутой косоворотке, он не обращает никакого внимания на свою половину.
Куражится…
Хотя на душе пакостно, погано: только намедни хозяин ни за что расквасил ему нос. Однако парень держит форс. Наигрывает на гармошке модную кадриль. «Эх, сейчас бы в кабак, повеселиться!». Да рядом - опостылевшая жена с грудным ребенком и денег нет. А рядом с ним его жена, крестьянка... Безысходность, скорбь в ее согбенной фигуре. Муж ее разлюбил, что ее ждет впереди - кастрюли, пеленки, мужнины попойки, побои да нищета. Заурядная история двух людей, простая и такая трагическая в своей обыденности.
Маленький жанр, казалось бы. Но сколько раздумий… Бездна острых наблюдений, мастерства в этом полотне...

А за несколько лет до создания картины "На бульваре" Владимир Маковский пишет „Свидание", как бы прелюдию темы приезда на побывку в город крестьянки из глубинки Руси. Только в „Свидании" к мальчонке прибывает мать.


Украдкой сидит она в сырых полутемных сенях и с болью в сердце горестно взирает на свое изголодавшее, нищее чадо. Истощавший малыш жадно гложет привезенный гостинец - калач.
Босой, в грязной рубахе, в обтрепанном рубище малец этот - живой пример бытия городской бедноты, с юности узнающей почем фунт лиха.
Не надо лишних слов, чтобы понять страшную правду этого маленького холста.
Только вглядитесь, как схожи образы женщин в обоих полотнах В.Маковского. Та же безысходная тоска в заплаканных очах, так же забиты ударами судьбы.
Сгорбленные спины крестьянок. Черные, туго повязанные платки. Истомленные думами лица.
Жестокая, неприкрашенная судьба...

Эта картина у меня из разряда любимых. Нет, не самая-самая, но всё же...
Таких картин несколько. И отношение к ним, как к детям: нельзя выбрать из них самого любимого.
Так вот, эта картина -"Неравный брак" Василия Пукирева.

Когда первый раз квидела её (репродукции-то и раньше видела, но это совсем не то) в Третьяковке, сразу песня напелась "У церкви стояла карета..."
Обе они, и песня, и картина - как специально одно подобрано к другому, даже не надо никаких комментариев. Только слушать и смотреть...

"Неравный брак ... Что может быть проще взятого тут сюжета? Продажа и покупка невесты - это ли еще не сцена, которую всякий видит собственными глазами чуть не каждый день? И, однако, никто раньше Пукирева не запечатлел ее на веки веков на полотне: так все заняты были греческими героями и христианскими мучениками, точно будто бы и тут не герои и не мученики… Все русское общество горячо схватилось за эту картину и сразу глубоко полюбило ее. Академия принуждена была поскорее присудить Пукиреву профессорский диплом, даром что тут явилось одно из самых вопиющих дел: изображение ничтожной "домашней сцены" в размерах самой натуры, в тех размерах, в которых имеют право являться на свет одни высокие сцены, изображаемые истинным искусством. Это ли не торжество новой школы?.." (В.В. Стасов)

Эта картина - реальный момент из жизни художника. Пукирева разорили, а его любимая девушка вышла замуж за другого - более богатого. На картине трое написаны с натуры: невеста художника, ее муж и сам Пукирев - сзади, со скрещенными на груди руками.

"...Я слышал в толпе говорили:
- Жених неприглядный такой.
Напрасно девицу сгубили! -
И вышел я вслед за толпой..."

История этой картины меня прямо-таки ошеломила...


«Навьюченное седло» - рассказ о подозрительном муже, сомневающемся в верности жены.

Чтобы защитить целомудрие своей жены, он нарисовал вола на её интимном месте. В то время как он вынужден был далеко уехать, между его другом, другим художником, и его женой происходит бурная сцена. Во время страстной связи изображение стирается. Но… хитрый любовник прежде тщательно скопировал рисунок на листок бумаги, лежащий рядом на полу. Нанося вновь изображение на тело любовницы, он добавил волу навьюченное седло (... "дорогой друг, я навьючил твоего вола"). Муж по возвращении замечает изменение, доказывающее о прелюбодеянии его жены.

Вариант картины существует в Эрмитаже.

http://programmistka.ru/interest/340.net

Почти год назад, 16 января 2009 года, в возрасте 91 года умер американский художник, картину которого я очень люблю и которая вызывает у меня целый набор чувств... Я сегодня хочу вспомнить и художника, и его картину.


Летом 1948 года Эндрю Уайет написал портрет своей соседки, девушки с больными ногами. Нам не видно выражения ее лица, но видно, что девушка с усилием пытается преодолеть расстояние, отделяющее ее от дома. Розовый цвет ее платья, такой заметный на фоне блеклой травы, еще больше усиливает чувство тревоги - что-то должно случится...

Когда художник закончил, и показал картину - она ни на кого не произвела особого впечатления. В октябре Уайет отправил картину в Нью-йоркскую галерею, и о картине заговорили... Посетители повалили в галерею толпами, и в конечном итоге картина " Мир Кристины" была приобретена музеем современного искусства (Museum of Modern Art) за 1800 долларов. Теперь ее стоимость исчисляется миллионами, а ее автору, Эндрю Уайету, в 31 год удалось то, чего многие талантливые художники не могут достичь на протяжении всей жизни - создать "культовую" картину.

Эндрю не раз ещё писал портреты Кристины, но не один из них больше не вызвал такого потрясения... До слез! Но сколько жажды жизни и движения!!!
Я сама каждый раз, когда её вижу - испытываю необъяснимое волнение... И жалость, и потрясение, и восхищение...

Лена, а где картина "Девушка на мосту"? У меня она не загрузилась?! :(

Олюнчик, вот уж и не знаю, куда она у тебя запропастилась... У других тоже не видна эта картина? А другие на месте или тоже нетути?
Олюнь вот она, эта картина